在舞台上，灯光不单只是照明的工具，更是视觉的旁白。2025年，澳门青年剧场设计师梁顺裕在阿联酋沙迦举行的「第六届世界剧场设计展」（World Stage Design，下称「WSD」）上，凭藉作品《九声》，从全球顶尖参赛者中脱颖而出，荣获专业组灯光设计银奖，成为首位在此国际设计盛事中获奖的澳门设计师。

这项被誉为剧场界「奥运会」的国际盛事，每4年举办一届。对于人口仅68万、剧场产业尚在摸索阶段的澳门而言，这座银奖不仅肯定了梁顺裕的个人才华，更象征新一代澳门剧场人正稳步迈向国际舞台中心。

WSD 世界剧场设计展

世界剧场设计展由国际剧场组织（OISTAT）主办，每4年举办一届，是全球唯一以「个人设计师」为参赛单位的国际竞赛与展览。有别于布拉格剧场四年展（PQ）以国家／地区为单位，WSD更侧重于设计师的个人艺术成就，涵盖舞台、灯光、服装、声音、多媒体等多个领域，被誉为剧场设计界的奥运会，也是检验设计师国际视野与当代美学的重要指标。

光是放大镜 照见情感焦点

「在这部作品中，灯光的核心作用是制造焦点，并营造一种暧昧的氛围。」谈及获奖作品《九声》，梁顺裕一语道出设计精髓。这部由小城实验剧团制作的多媒体声景剧场，摆脱传统起承转合的线性叙事，转而围绕现代都市人的孤寂、存在感、情欲与身份认同等精神议题展开。对灯光设计师而言，这无疑是巨大挑战：如何将这些抽象、流动，甚至扭曲的内在状态，在舞台上转化为可视的意象？

梁顺裕用了一个精准比喻作答：「灯光就像放大镜，能让情感的焦点清晰显现。」

为捕捉都市角落的躁动与不安，他将「焦点」定为设计关键，但这焦点并非单纯的照明，而是带有窥视意味的「暧昧」。在色彩运用上，他大胆舍弃传统写实的暖白光，转向大量非写实色调。「我使用了许多『怪异』的颜色，例如诡绿，或强烈的蓝红冷暖对比。」这些高反差异色，旨在凸显角色内在情感与现实自我的落差；大量影子与剪影则化为内心阴影的隐喻，在舞台上构筑出「暧昧的叙事感」。

除色彩外，他还巧妙运用材质制造视觉奇观。「舞台上有一块玻璃，灯光照射在演员身上，也同时透过玻璃产生反射。」梁顺裕解释，这种手法能在空间中生成多重影像――实体与虚影交迭、对话，甚至相互吞噬，正呼应剧作主题：在都市玻璃幕墙之下，映照于玻璃的倒影，或许才是潜意识中最真实的自我。

限制中突围的澳门智慧

本届WSD首次在中东地区的沙迦表演艺术学院举行，共收到来自全球超过700件作品，竞争激烈。《九声》之所以获得国际评审青睐，除了美学突破，更源于澳门剧场制作常见的现实挑战。该剧先后于深圳、澳门文化中心及巴黎人剧场演出，梁顺裕坦言，虽称「重演」，实则每次都近乎「重制」。

「每到一个场地，都必须重新设计调整，因为技术条件差异极大。」他指出，在澳门剧场生态中，预算有限，剧组往往只能「就地取材」。深圳场地灯具充足却高度受限，巴黎人剧场则属商业规格，需与作品的实验调性互补磨合。

这种看似无奈的限制，却反过来激发了梁顺裕的创造力。在有限灯具与空间条件下，他必须重新计算角度、编写画面，以达最佳效果。这段在限制中寻求突破的历程，锻炼了他快速应变的能力，也让作品在反复打磨中更趋精炼。

戏剧路上的启蒙与转折

梁顺裕对剧场的热爱，源自一段充满童趣的启蒙。小学三、四年级时，他被老师选中参演校际戏剧比赛，虽只有几句台词，却是他首踏舞台。六年级时，他在话剧中饰演一位爷爷，那次经历成为童年最鲜明的记忆。

「那次拿了优秀演员奖，妈妈也有来观赛。为了饰演长者，整头头发都被染白，还要顶着厚厚的妆容乘搭巴士。」对于年幼的他来说，这一切并不尴尬，反而带来满满成就感。「这段经历让我明白，不一定要在学业上取得优异成绩，才能获得满足感，在不同领域，同样能找到属于自己的光芒。」

这份满足感引领他继续前行。中学时期，他参加过由教育及青年发展局举办的「雪球计划—戏剧全接触」，以及澳门演艺学院戏剧学校表演基础课程。在李俊杰、古英元等老师的指导下，他感受到表演时众人凝聚一心的温暖，也逐渐从台前转向幕后，留意到那些隐身黑暗中、为光影默默付出的工作者。

然而，真正让他下定决心走上专业之路的，是高三同学、如今也是工作室伙伴嘉宝的一句话。当时他对升学方向感到迷惘，并未打算报读艺术科系。「嘉宝对我说：『4年时间，与其读一些连自己都不清楚有何意义的课程，何不尝试修读真正喜欢的学系呢？』」

这番话如当头棒喝，促使他报考台北艺术大学剧场设计学系。艺术大学的岁月，彻底重塑了他对光的认知。「以前我以为灯光设计不过是『开灯关灯』，求学期间却极大地拓宽了我的视野和创作思维。」他形容灯光设计充满奇妙魔力，时而隐形无迹地营造氛围，时而成为舞台上耀眼的主角。「灯光就像调味料，过多则变味，过少则乏味，唯有恰到好处，才是最佳境界。」

被环境逼出来的「周身刀」

毕业返回澳门后，梁顺裕发现，相较海外剧场的精细分工，澳门因资源受限，从业员往往需「身兼多职」，设计师被迫变得「十项全能」，既要精通设计绘图，还须涉猎电路配置与程式编写。

这种环境造就了澳门剧场人「周身刀」的生存哲学。梁顺裕分析，这虽分散了专精单一技艺的精力，却锻练出极强的适应力。「这种灵活性和实用主义，是在澳门剧场长期磨练出的宝贵能力。」正因全程亲力亲为，澳门设计师对细节瞭如指掌，往往能在国际合作中展现惊人解难能力。

为寻求更大突破，他与伙伴成立破艺术工作室，提出「剧场碎片化」概念，尝试跳出传统框架，将剧场介入日常生活。在疫情期间，他们推出「艺术外卖」，把表演带进街头、外卖箱，甚至观众家中。这种对空间与形式的极致探索，正是澳门剧场人在狭缝中求存、求创新的生动写照。

以教育铺路 让艺术深耕

梁顺裕目前正于澳门演艺学院戏剧学校进修导演课程，除了专业创作，他亦致力于播种，长期在中小学担任戏剧导师。这份前线教学经验，让他对澳门文化生态怀抱更柔软而长远的期许。他认为，相较单次活动，「持续性」才是艺术发展的关键。

「小时候学校带我们看戏、参与艺术教育，那影响未必即时显现，却是一种持续的熏陶。」他更重视在学生心中埋下种子：「未必每个人都要成为艺术家或剧场工作者，但至少让他们学会欣赏和尊重，让艺术成为生活的一种可能。」

梁顺裕认为，民间团体的力量始终有限，期望政府在推动文化发展时，能为未来10年甚至20年的文化生态铺路。

面对澳门市场狭窄的现状，他并没有过多抱怨，反而肯定了同业的付出。「大家都好努力，在各自岗位做着自己力所能及的事。」他相信，只要教育与政策相辅相成，建立可持续生态，澳门剧场终能从「生存」走向成熟「发展」。

让世界看见澳门

谈及WSD获奖，梁顺裕认为奖项最大的意义不在于个人荣耀，「获奖是对坚持与努力的肯定！但更重要的，是透过WSD这个国际平台，让世界看见澳门。」他希望让世界知道，在这个以旅游休闲闻名的小城，有一群热爱剧场的人在默默耕耘。

「我们有能力用自己的方式让世界变得更美好。」从《九声》的暧昧光影，到沙迦的荣耀，他正以手中的「调味料」，调制属于澳门的视觉风味。在讲求效率的时代，他选择用虚幻光影捕捉真实人性，正如他所言：「不管形式如何，我们仍强调『此时此地我在场』，因为这种当下的现场感官体验，正是戏剧区别于其他艺术的本质。」这份「在场」的坚持，或许正是澳门剧场最珍贵的光芒。

文：黄柏谦 图：简子婷 受访者